6月のニューヨークのギャラリーの見どころ

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街で新しいアートを見てみませんか? マンハッタンでは山口貴子、リュック・タイマンス、ウンナム・ホン、ブルックリンではセオドラ・スキピタレスをチェックしてください。

ロバータ・スミス、ジリアン・スタインハウアー、ウィル・ハインリッヒ、マーサ・シュヴェンデナー、マックス・レイキン、ジェイソン・ファラゴ著

トライベッカ

6 月 17 日まで。Ortuzar Projects、9 White Street、マンハッタン。 ortuzarprojects.com。

1952年に日本で生まれ、1978年からロサンゼルスに住んでいる山口貴子は、最新の絵画の中で、芸術と工芸、東洋と西洋、そしてあるスタイルと別のスタイルを対立させ続け、抽象化、表現、装飾が融合した作品を制作している。混ざり合って予期せぬ効果が生まれる。以前、アーティストは、さまざまな具象的、抽象的、装飾的な、異種の要素からなる乱暴なバロック的な構成に複数の参照をかき混ぜました。ディエゴ・リベラやルーカス・クラナッハの人物像は、日本の着物のシルクによく見られる錦織の模様や、日本の屏風の金箔の雲と混ざり合います。

今、ヤマグチはまばゆいほどのシンプルさを実現し、いつもの対立をシームレスな全体に吸収している。これらの 60 × 40 インチのキャンバスでは、一連の水平バンドがすべて抽象的、具象的、装飾的なものを組み込んでいます。すべての主要な特徴は、繊細な陰影を付けられた純白の管状要素であり、その繰り返しパターンは空または単一のより象徴的な形として機能します。これらは、伝統的な着物の着付けや武士の甲冑に使用される、編み込んだり、結び目を付けたり、時には房を付けたりしたコードの広範な語彙を呼び起こすことができます。しかし、彼らはまた、ジョージア・オキーフやアグネス・ペルトン、シカゴのイマジスト、ロジャー・ブラウンの作品に似た、ありそうもないかもしれないが美しい雲の形成を示唆している。「Hinge」では、雲の形が編み込まれているように見えます。「クラスプ」では、結び目のあるベルト、豪華なフレーム、または舷窓のように、白のストランドが青の上に赤の海の景色を取り囲んでいます。

山口の絶妙な構図は、西洋モダニズムでは通常見られないウィットと明快さで、テキスタイルの平面と奥行きのある風景の間を行き来し、スリルを増しています。ロバータ・スミス

チェルシー

7 月 21 日まで。 David Zwirner、537 West 20th Street、マンハッタン。 davidzwirner.com。

戦争をどのように描くのですか？さらに言えば、なぜですか？ 1864 年、エドゥアールマネは電報ニュースを基に南北戦争の戦いを描き、マスメディアの時代に合わせて軍事画を更新しました。リュック・タイマンスは、『Bucha』（2023）でも同様に重要なことを行っている。それは、タイトルの悲惨なキエフ郊外にある、開いた墓のように見える、大きくて挑戦的で、半分解読可能な夜間のシーンである。非常灯が、白い亡霊と化した孤独な作業員を照らす。眼下には重苦しい空の上にくすんだオリーブの草が生い茂っているが、投光器の明かりが残虐行為の現場を覆い隠しており、薄灰色と押し殺した青と藤色の真っ白な汚れで表現されている。恐怖はキャンバスのおそらく 95% を占めていますが、不規則なピンク色の縁は、このブチャのシーンが遠く離れたウクライナから誰かが過去にチラチラと見ている写真である可能性を示唆しています。片側には淡い円があり、タッチスクリーンの「戻る」ボタン、野蛮へ戻るデジタル標識です。

タイマンスは常に戦争の暴力ではなく、それに関連するありふれた日常を描いてきた。強制収容所の松の木、唇を噛むコンドリーザ・ライスなど。「ブーチャ」が確認しているのは、彼のそらされた視線は決してヒッチコック的なショックだけではなかったということだ。彼のピンクとブルーは、ヒートマッピングソフトウェアを思い出させる境界のない地形に溶け込み、以前はギミックのように感じられていた iPhone のモチーフは、重要な構成ツールに成長しました。この番組の名前の由来となっている希薄な牧歌「The Barn」の最後で、彼は表示されている他のいくつかの絵画を写真アプリのカルーセルのサムネイルに縮小します。かつてタイマンスの静かな作品は運命論的に感じられた。今では、それらは私たちのデジタル断片化とその亀裂に蔓延る嘘に対する熱心な攻撃のように見えます。ジェイソン・ファラゴ

ローワーイーストサイド

6 月 18 日まで。ルボフ、5 East Broadway、Ste. 402、マンハッタン。ルボフニューヨーク。

クシシュトフ・キェシロフスキ監督の映画『ヴェロニクの二重生活』では、ポーランドのボーカリストと彼女のドッペルゲンガーは決して出会うことはないが、実存的な倦怠感と、人生が目に見えない方向に引っ張られているというしつこい感覚によって結びついている。

ウンナム・ホンの絵画は、ホンの影武者がよく知られている点を除けば、映画の不気味なアンニュイさと形而上学的な陰謀を共有している。彼らは彼女の空いているニューヨークのアパートの周りをうろつき、タバコをむしったりサイコロをしたりしながら、外出するつもりで着飾っているのに決してそこに着くことはなく、まるで逃げられない雑誌の中で同情している囚人のように。

ソウルでのファッション広告業界でのホンの前世は、間違いなく彼女自身の第二幕に影響を与えている。彼女は着ている服にアディダスのトラックスーツとグレーのニューバランスを着せ、バイカージャケットやコンバットブーツ、ベルギーローファーのすり減ったしわに太陽光を反射させている。何よりも、彼女の写真は、統合失調症の服装に対する私たちの瞬間の流行を記念しています。また、現時点では誰も楽しい時間を過ごしていないようです。「Lunch Break」（2023）は、豪華な生地のひだで埋め尽くされており、チャールズ・ジェームスのドレスを着たパーティー参加者のセシル・ビートンのイメージを思い起こさせますが、喜びは尽き果てています。ホンの女性たちは楽しんでいません。彼らは自分たちの世界で孤立し、重荷を感じています。

不機嫌さは、不特定の恐怖に満ちた比喩絵画の最近の円と結びついていますが、ホンの絵は私たちの注意を持続させるのに十分興味深いものであり、その彩度の低いパレットと柔らかい正確さが磁気的な暗い雰囲気を増幅させます。ホンは自分自身をモデルとして演じ、ボトルブロンドの巻き毛のかつらと特大のメガネの下にひょろっとした体型を隠し、あたかも人工的に老化させたかのように、あるいは英国化したかのように、文字通り同化、家庭内アノミー、内面生活の精神的な分裂を表現している。他人のために、そして自分自身のためにパフォーマンスをする。マックス・レイキン

ブッシュウィック

6 月 18 日まで。ブルックリン、オリエント 15、ジェファーソンストリート 12。 15orient.com。

人形は芸術の世界において主要な媒体ではありませんが、パフォーマンスアートやテオドラスキピタレスの「ミニチュアシティからの眺め」のような展覧会の台頭、さらには人形が最近の美術史に組み込まれることによって、状況が変わるかもしれません。スキピタレスのショーは主に 1981 年の人形劇「ミクロポリス: 6 つの肖像画と風景」から引用されており、その形式の力を主張しています。

展覧会自体は驚異的です。ギャラリーの上にある家主の居住区、ヴィンテージの壁紙が張られた薄暗い部屋に設置されたこのショーは、人形ほどの大きさの人形が登場するスキピタレスのタブローを展示するミニシアターを備えています。オーディオ録音で語られる暗く、下品で皮肉な物語には、ヴァージル・ムーアフィールドによる「頭脳的だが血に飢えた」（ある音楽ライターが表現した）作曲が伴うことがある。「ミクロポリス: シルビア」(1981) は、典型的な信頼できないナレーター、つまり驚くべき結末に遭遇する「才能のある」女性人形を主演させます。『ミクロポリス：オン・ザ・ロード』（1981）の恐竜は、ジャック・ケルアックが1957年の周遊小説『オン・ザ・ロード』で思い描いた自由と、ニューヨークの下町におけるボヘミアンの差し迫った「絶滅」を同時にうなずいている。

ショー全体は、70 年代と 80 年代のニューヨークのダウンタウンで、新しい学際的な形式を生み出した、単なる神話ではなく現実の才能の並外れた密度を思い出させます。多くのことが変わりましたが、昔のアート恐竜は絶滅したわけではありません。多くの人が目に見えるところに隠れています。若いギャラリストはどのようにしてこの作品を発見したのでしょうか？簡単: スキピタレスは前衛人形劇の世界でよく知られており、ブルックリンのプラット研究所で教授を務めていました。マルタ・シュヴェンデナー

ローワーイーストサイド

6 月 10 日まで。Perrotin、130 Orchard Street、マンハッタン。 212-812-2902、perrotin.com。

Perrotin での Rina Banerjee のショーは、タイミングがよく、日常的な素材を使って世界を構築する彼女のスタイルには、瞬間があります。現在、ワンゲチ・ムトゥ、ダニエル・リンド＝ラモス、サラ・ジーに特化した美術館の展示は、数十年にわたる成功したキャリアを誇るバナジーにとって、実りある文脈を作り出しているが、ここでの個展はここ8年間行っていない。

他のアーティストと同様に、バナジーも珍しい素材を使用して、刺激的な生き物や壮大かつ複雑なインスタレーションを制作しています。しかし、彼女の作品はより雑食的であり、より不安定であるように感じられます。彼女のアレンジメント、たとえば、絡み合った網や紐の上に小さな木や磁器の置物が置かれ、角やガラスの塊が置かれているものは、ありえないほど説得力があります。それらは合体すると同時に合体しません。カルカッタで生まれ、主にニューヨークで育ったバナジーは、ハイブリッドの想像力豊かな可能性だけでなく、物事がどれほど簡単に変化したりバラバラになったりするかにも興味があるようです。

ショーの目玉である「Black Noodles」（2023）は、海底遺跡のように見え、バナジーの神話上の女性像を描いたゆるやかな絵画がギャラリーを支配しています。しかし、私は換気システムの計画の目まぐるしいスケッチを背景に、ある種の双頭の生き物をフィーチャーした作品「Contagious Migrations」（1999—2023）に戻り続けました。計画書の端は触手のような形に切り取られており、そこから医療用のチューブが伸びており、一部は黒い網で覆われている。この作品は新型コロナウイルス感染症を連想させるが、解説するには抽象的すぎる。むしろ、それは美しく、不気味で、神秘的です。バナジーのアートの何がとても魅惑的で、何がとても不安になるのかが描かれています。ジリアン・スタインハウアー

チェルシー

6 月 17 日まで。ニコラヴァッセルギャラリー、138 Tenth Avenue、マンハッタン。 212-463-5160; ニコラヴァッセル.com。

ニコラ・ヴァッセル・ギャラリーでの初個展では、ソマリア生まれで現在アルバニー近郊に住む独学の画家ウマンがほぼその座を引き継いだ。深い緑、紫、または金で塗られたギャラリーの壁に、彼女は 15 枚の巨大で活気に満ちた絶え間ない正方形の絵画を貼り付け、それぞれが彼女のスタジオで制作された暗いシャドーボックスに額装されており、さらに小さな図面も展示されています。（この番組のタイトルが「I Want Everything Now」なのも当然です。）絵画の色は大胆で彩度が高く、その質感は滑らかで濡れた筆致から油棒の停止したスキッターまで多岐にわたります。それらの形は、ほとんどが円、落書き、四角形で構成されていますが、いくつかの目、花、太陽、とがった歯、そして腸、椅子、または脊椎の曖昧な示唆も含まれています。参照は異文化的であり、芸術史的なものでもありますが、その効果は一般にテキスタイルに偏っています。緑と赤の線で三角格子に区切られた1枚の黄色のキャンバスも、三角の端切れを縫い合わせて作られています。別のボトルでは、透明なタツノオトシゴのように見えるものが、「オードパルファム」と明記されたボトルの上で飼育されています。

しかし、ある意味、ウーマンはミニマリストです。彼女のジェスチャーは、図像に足がかりを主張できる図式的な花のように、常に明らかに効率的です。キャンバスは端から端まで塗りつぶされていますが、絵の具の塗布は薄く、爆発的な効果が得られるとすぐに次の絵に移ります。ウィル・ハインリヒ

チェルシー

6 月 17 日まで。Yossi Milo、245 10th Avenue、マンハッタン。 212-414-0370; ヨシミロ.com

Yossi MiloでのNatia Lemayのソロでは、高さ10インチ未満の3つの小さな彫刻が精神的な部屋を埋め尽くしています。

彼女は、椅子、ソファ、木馬など、平凡な家具のミニチュア版を接着剤で重ねて積み上げています。石鹸石から彫られたものは、子供たちがドールハウスキットから作る粗雑な針葉樹のミニチュアをコピーしています。

ルメイはトロントで苦難の中で生まれ、アフリカ系カナダ人の文化とカナダ東海岸のミクマク族にルーツを持っています。彼女の一般的な家庭用品は、彼女が公営住宅、ホームレス保護施設、低価格賃貸物件を転々としながら過ごした過酷な数年間を記念しているようだ。私は彼女の彫刻を「記憶の塔」だと考えていますが、その小さなスケールはエネルギーを弱めるのではなく、むしろ集中させているように思えます。 (思い出は常に小さく感じられませんか?頭蓋骨に収まるほど小さいです?)

ルメイは彼女の塔を先住民の芸術であるトーテムポールと結びつけていますが、これはその形と記憶機能の点で理にかなっています。

彼女が使用するソープストーンも、父親から譲り受けたもので、先住民の工芸品を思い出させます。その素材を使って、彼女が知っている問題のある都市世界を表現することで、ルメイはそれが彼女の継続的な生得権であると主張します。彼女は、何十年にもわたって観光産業に費やしてきた場所を取り戻しました。

ルメイの展覧会には20点の油絵も展示されています。私にとって、彼らは古い巨匠の伝統に抵抗するのではなく、その権威を受け入れています。でも最近の絵に関してはそう感じます。ルメイの素晴らしい小さな彫刻は、むしろ私たちの階層構造に穴をあけようとしている手榴弾のように見えます。ブレイク・ゴプニク

チェルシー

6 月 17 日まで。Greene Naftali、508 West 26th Street、8 階、マンハッタン。 212-463-7770、greenenaftaligallery.com。

若い芸術家であり理論家のアリア・ディーンは、黒人性、物性、デジタル文化を結びつけるエッセイで知られています。（彼女が選んだ著作「Bad Infinity」がこの夏デビューする。）これは覚えておくとよい。グリーン・ナフタリの風船ガムのようなピンクのサルーンのドアをくぐり抜けた瞬間から――「ピンク・サルーン・ドア」と題された無表情な作品――からだ。展示されている洗練された彫刻やデジタルプリントは、まばらで謎めいていて、挑戦的に表面的であるように見えます。何かが省略されています。このショーは、ローファイ画像の流通の容易さに関するディーンのダイナミックな考え方 (または、それほど寛大ではないが、ページ上で彼女が指摘した点を説明) に基づいていますが、初心者でも商業芸術に対する彼女の冷たく冷笑的な見方を理解することができます。

輸送用パレットの上に置かれた光沢のあるしわくちゃの灰色の塊である彫刻「図A、フリージアン牝馬」は、ある種のゴミ箱に置かれたミニマリストの立方体や、圧縮された騎馬像を想起させ、厳格な形式主義と鑑賞者の身体とのつながりをさりげなくねじ曲げている。生き物を商品として扱うことの意味は残酷です。

展示されている他の 4 つの作品は、アルミニウムに昇華型昇華プリントを施した贅沢な縦長の作品で、それぞれ 3 枚または 4 枚のパネルに描かれており、…何を描いていますか? 遠くから見ると、ぼやけやしみ、空、形が高速で飛び交っていますが、拡大してズームインすると基本的に抽象的で、飛び散ったピクセルが点在しています。実際、ディーンのプロジェクトは、暴力の抽象化が原因、または可能にするものを探求するものとして要約できます。このショーの寡黙な滑らかさは不快な反応を引き起こします：ここには感情がないのですか？痛みはありませんか？人間性がない？トラヴィス・ディール

チェルシー

6 月 17 日まで。Matthew Marks Gallery、522 West 22nd Street、マンハッタン。 212-243-0200、matthewmarks.com。

偉大なアメリカの画家ジョアンブラウン (1938 ～ 1990 年) の成熟したスタイルは、エジプト後期のものと呼ぶことができ、彼女の人物像は完全に正面から、または完全に横顔で描かれることがよくあります。この形式性は、驚くべき単色の広がりとともに、主に自伝的な彼女の作品の催眠術的な静けさに貢献しています。（絵画のほかに、彼女の興味には家族、ヒンズー教、社交ダンス、本格的なアマチュア水泳、エジプト美術が含まれていました。）ここにある6枚の絵画に登場するブラウンが何を考えているのか必ずしも明らかではありませんが、真剣であることは否定できません。

したがって、主に 1970 年代の絵画 12 点が展示されるこの展覧会に「The Visitor」（1977 年）が含まれていることは驚くべきことではありません。レストランでエジプトのファラオと一緒に座っている芸術家を描いています。ファラオはエジプトのファイアンスの色である深いターコイズ色で、彼の後ろの壁も同様で、象形文字が刻まれています。 2 つの世界が衝突している場合、それはブラウンの想像力の中で起こっているようです。結局のところ、この番組のタイトルは「事実と幻想」です。

「42歳の自画像」（1980年）では、腕を組んで前を見つめる画家に出会う。彼女は絵の具が繊細に塗られた青いプルオーバーと透明なプラスチックの手袋を着用しています。彼女はスタジオで望ましくない妨害に直面していますか? そして、夜が明けます。彼女の厳しい視線は、芸術家が制作中の絵画に向けて用意する親切なようです。他にも魅力的な作品がいくつかありますが、木の銅に特大のトラ猫を描いた「ドナルド」（1986）をお見逃しなく。エジプト人と同様に、猫もブラウンのお気に入りの主題でした。ロバータ・スミス

チェルシー

6月21日まで。印刷物。 231 11番街、マンハッタン。 212-925-0325、printedmatter.org。

タイトルの「From the Margins: The Making of Art-Rite」at Print Matter」は、今日の世界的なアートの観点からすると少し不正確に感じられます。Edit DeAk、Walter Robinson、Joshua Cohn によって 1973 年に創刊された Art-Rite 誌は 19 号を発行し、この綿密なショーでは、ドキュメンタリー写真、手紙、オリジナルの貼り付け資料、機知と内部関係者に満ちた逸話を通じてストーリーが語られます。ゴシップ。

若い編集者たちは、優秀な編集者でアーティストのブライアン・オドハティが教えるコロンビア大学の美術批評セミナーで出会った。この雑誌（その名前は、ShopRite食料品店とそこで配布される広告回覧を意識的にエコーしています）は新聞用紙に印刷され、「用語汚染」、つまり理論専門用語や芸術の話は避けられました。創刊号には、ポップアート研究者のローレンス・アロウェイ、ヒルトン・クレイマー（一時はニューヨーク・タイムズの評論家）、フェミニスト評論家のルーシー・リッパード、美術史家のアーヴィング・サンドラーとレオ・スタインバーグによる寄稿が含まれていた。「使い捨て」出版物。

Art-Rite は、アート市場の急成長によって部分的に引き起こされた「批評の危機」が常に鳴り響いていた時代に到来しました。批評家はキュレーター、コレクター、アーティストよりも突然力を失い、批評の場は縮小していった。現在、光沢のあるアート雑誌が「ブランド」として統合され、批評がさらに均質化されているため、Art-Rite のようなスマートでスクラップな出版物、そして創刊から 50 年経ってもこれほど見栄えのする出版物の必要性がこれまで以上に緊急になっています。マルタ・シュヴェンデナー

アッパーイーストサイド

6 月 24 日まで。ガゴシアン、821 Park Avenue、マンハッタン。 212-796-1228、Gagosian.com

クリス・バーデンほど教科書で有名でありながら、滅多に目にする機会のない作品を持ったアーティストはそう多くありません。彼がフォルクスワーゲン・ビートルに釘付けになったり、.22弾で腕を撃たれた1970年代のパフォーマンスが再現されることは期待できない。彼は2015年に亡くなりましたが、生きていたときでさえ、それらは一度限りのものでした。しかし、この珍しいバーデンショーでは、1970 年代のアンジェレノの過激な作品の他の例が紹介されています。彼らはアートの境界を変え、今では安全に「芸術的」でギャラリーに値するものに見えます。

このショーには、バーデンの用語で言うところの彼のパフォーマンスを表すための「遺物」のいくつかが集められています。空のショーケースは、彼が3日間欠品に費やした作品「消失」を表しています。電話とカセットレコーダーは、バーデンが美術商との通話を録音した「盗聴」を表している。

バーデンの銃撃シーンや、彼が22日間ギャラリーに横たわっていた有名なパフォーマンス「ベッド・ピース」の映像もある。

さらに驚くべきは、バーデンが必要な広告スペースを購入した後、テレビ放送にアートを浸透させた1分間の「テレビコマーシャル」だ。そのうちの 1 つである「完全な財務情報開示」は、アンディウォーホルのビジネスアートのジャンルにあり、バーデンの 1976 年の収入と支出、そしてわずかな利益の数字を明らかにしています。「クリス・バーデンプロモ」では、「レオナルド・ダ・ヴィンチ」、「ミケランジェロ」、「レンブラント」、「フィンセント・ファン・ゴッホ」、「パブロ・ピカソ」、そして…「クリス・バーデン」と、世界的に有名なアーティストの名前が次々とテレビを埋め尽くします。。」この最後の名前は、かつては冗談か、あるいは途方もない希望的観測のように思えたかもしれませんが、今では他の名前と仲良く暮らしています。ブレイク・ゴプニク

チェルシー

7 月 29 日まで。ヴィトシュナーベルギャラリー、455 West 19th Street、マンハッタン。 646-216-3932; vitoschnabel.com。

ジョルジョ・デ・キリコの「馬：騎手の死」にある 16 点の絵画のほとんどは、それ自体で展覧会を開催できるほどです。 1920 年代後半のカップルはあまり洗練されておらず、1970 年の「海岸上の二頭の馬」はちょっとした口調だと言えるでしょう。しかし、ほとんどの場合、豊かで独特で一貫して楽しい絵画は、ギリシャ生まれのイタリア人画家が50年間の大部分で彼のゲームの頂点にあったことを示しています。

展覧会のタイトルが示すように、すべてのキャンバスには 1 頭または複数の馬が描かれており、多くの場合、彼の有名な神秘的な風景の 1 つが背景にあります。肉欲的でありながら象徴性に満ちた馬は、古代との生きたつながりであり、デ・キリコ（1888-1978）のような歴史に敏感な芸術家にとって完璧な主題となっています。また、それは膨らんだ関節と肉質の隆起でいっぱいであり、デキリコは視覚的にも概念的にも、それを一種のキメラ、別々の瞬間と出会いのグラブバッグとしてアプローチしています。

表題作「ライダーの死」では、雄大な白い馬が夕暮れの浜辺で立ち上がり、ライダーを後ろからイカロスのように転がり落ちさせます。遠くの丘の上に都市が立っています。近くでは、二人の航海者または神々が手漕ぎボートから見守っています。しかし、馬の姿勢は実際には彫像のようで、前脚は曲がり、頭は体の角度と完全に一致していない劇的な横顔をしています。一方で、それはうずくまった無意識の力です。他の人にとっては、自己主張が強く、傲慢な性格さえあります。全体として、それはシーンのドラマを、アクティブであると同時に永遠に要約しています。ウィル・ハインリヒ

クイーンズ

9 月 10 日まで。クイーンズ博物館、ニューヨーク市ビル、フラッシングメドウズコロナパーク、クイーンズ。 718-592-9700; クイーンズミュージアム.org。

アリーザ・ニセンバウムはメキシコで育ち、現在はニューヨークに住んでいます。クイーンズ州コロナの多くの人々も同様で、彼女は自宅や職場、クイーンズ美術館のスタジオで、あるいはかつて彼女が教えていた「フェミニスト美術史を通した英語」という授業に参加している間、何年も絵を描いてきた。博物館の素晴らしい「Queens, Lindo y Querido」（女王、美しく、最愛の人）は、彼女の作品を幅広く展示したもので、デルタ航空や港湾管理局の従業員の肖像画も含まれています。植物が生い茂るオフィスで、ショーのキュレーターである岩崎ひとみさんの写真。そして、ニーセンバウムが博物館の食料備蓄ボランティアに提供した美術クラスの内容が、ボランティア自身の作品のセレクションとともに展示されました（「エル・タラー、クイーンズ美術館」）。

ニーセンバウムの人々に対する関心、人々とつながりたいという欲求は、彼女の絵画の内容を提供するだけでなく、彼らの形にも表れているため、これらすべてに言及する価値があります。リアルですが、強調された色と平らな平面を備えたそれらは、家庭的でありながら魅力的であり、あらゆる特異なディテールを吸収することができます。「El Taller」（ザ・ワークショップ）では、フラッシング・メドウズ・コロナ・パークの非現実的な紫色の霧を背景に、10人の新進アーティストのうち5人が小さな鏡を使って自画像に取り組んでいます。そして、それぞれが独自の独特のスタイルを持つ絵画の中の絵画もあり、言うまでもなく、19 種類の素朴で色とりどりの「絶妙な死体」ゲームもあります。すべてが 1 つの部屋に調和して存在しているのは、ニーセンバウムの寛大さと彼女の作曲スキルへの敬意です。ウィル・ハインリヒ

アッパーイーストサイド

6 月 2 日まで。Di Donna、744 Madison Avenue、マンハッタン。 212-259-0444、ディドンナ.com。

マン・レイは、ナダールが 19 世紀の先人たちを描いたのと同じように、1920 年代から 30 年代のパリの芸術家や作家を消えないように描きました。実際、マン・レイによるマルセル・プルーストの臨終の写真は、ナダールによるヴィクトル・ユゴーのブックエンドにふさわしいものとなっている。しかし、1885年にフランスの文学界の巨人を追悼したとき、ナダール自身もパリの由緒ある名士であった一方、1922年にジャン・コクトーの命令でプルーストのアパートに駆けつけたマン・レイは、ひどいフランス語を話し、パリに住んでいたアメリカ人だった。 1年ちょっとの間。

『マン・レイのパリの肖像、1921-1939』の驚異は、彼の芸術性だけでなく、そのアクセスのしやすさにもある。マン・レイは移住する前、前衛芸術家のマルセル・デュシャンとトリスタン・ツァラの友人でした。これらはマン・レイのパリへの入国を円滑にし、72点のヴィンテージプリントからなる今回の展覧会の主題の1つであり、そのほとんどはマン・レイの晩年の知り合いでこの展覧会に協力した個人画商、ティモシー・ボームのコレクションから描かれたものである。

マン・レイは臣下にお世辞を言った。しわやその他の欠陥を和らげるために、彼は通常、長いレンズを使って遠くから撮影し、フィルムをわずかに露出オーバーにしました。しかし、彼の肖像画は、詩人アンナ・デ・ノアイユの知識豊富な目、常に漬物に漬けられたシンクレア・ルイスの艶やかな視線、若いアレクサンダー・カルダーのたくましい力強さなど、深く啓示を与えていた。そして、30代半ばに撮られた彼の自画像があります。意図的に斜めに結び、鋭い目、そして止められない決意を込めて口を設定しています。アーサー・ルボー

トライベッカ

6 月 3 日まで。125 Newbury、395 Broadway、Manhattan、212-371-5242、125newbury.com。

レバノン生まれの画家で詩人のハリル・ジブランは、「露のしずくを瞑想して海の秘密を発見した」と書いた。シルヴィア・プリマック・マンゴールドも同様の方法で絵画に取り組んでいます。ニューベリー 125 で展示されている 15 点の作品はすべて、ニューヨーク州ワシントンビルにある彼女のスタジオの外に住む 1 本のカエデの木を描いており、彼女はそれを数十年にわたって描き続けています。

ここにある絵画の多くは「風にそよぐ葉」と題されており、フェアフィールドポーターやエドゥアールマネ、さらにはクロードモネとそのシャープな額縁を彷彿とさせる、緑豊かだがナンセンスではない筆致で、緑豊かな夏をクローズアップで捉えています。スイレンの組成物。「Winter Maple」と題された他の作品は、葉のない茶色がかった灰色の枝が分岐する、埃っぽい青い空の景色のように機能します。

もちろん、木の「秘密」は、それが常に変化し、したがって無限のバリエーションを生み出すことです。（実際、それが同じ木である場合。これについてはマンゴルドを信頼する必要があります。ただし、マグリットの 1929 年の有名な絵画「イメージの裏切り」は、一般的に「Ceci n'est pas une Pipe」または「This is not aパイプ」は、絵画において真実がどのように機能するかについて率直な教訓を提供しました。）

マンゴールドの手にかかれば、部分は全体となり、展覧会はシネクドーシュのマスタークラスになります。木は森です。画家は自然界と交渉する人間の代表者。落ち着きのない動きと過剰な情報の時代において、一本の木に絵を描くという実践は、マインドフルネス、瞑想、ケアの深遠で過激な行為にもなります。マルタ・シュヴェンデナー

チェルシー

6 月 3 日まで。Miles McEnery Gallery、515 West 22nd Street、マンハッタン。 212-445-0051; milesmcenery.com。

アーティストのビバリー・フィッシュマンは、過去 40 年間、私たちの病気の治療法について考えてきました。彼女のキャンディー色の構造は、絵画、彫刻、バッドトリップの中間に存在します。アッパーとダウナーがハッピーな蛍光色で脈動し、人間であるための治療薬が詰め込まれた薬箱です。

ここでの新作は、壁から突き出た多面的なウレタンシェルで覆われた木の形のシリーズ（「レリーフ」というアイデアの面白い遊び）を継続するもので、具象化への回避策である。身体についてではあるが決してそれを描写することはなく、幾何学的な抽象化である。現代文化と、それに対処するために私たちが摂取しているものについて話すためのフェイントとして。フランク・ステラのハードエッジなシンコペーションと南カリフォルニアのフィニッシュ・フェティッシュ・ムーブメントを融合させ、その結果、車のペイントに浸したエバーラスティング・ゴブストッパーのような、エレクトリックなハム音と滑らかなキャストを備えた光沢のある表面が得られます。それぞれの錠剤は同心円状の帯で描かれており、落ち着きのない多色の虹彩、あるいはウェイン・ティボーが実存的苦痛のシャーバートの輪のアイコンを描いたとすれば、光る菓子に似ている。

2023年の「無題（骨粗鬆症、中絶、うつ病、不安、避妊）」のように、診断を兼ねたタイトルだけがその極悪非道さを明らかにしている。医療産業複合体によって指示された治癒、即効性のある解決策の約束、そして、約束が助長した薬物依存。

ミック・ジャガーは、バリウム中毒になった主婦を歌ったストーンズの軽快な曲「マザーズ・リトル・ヘルパー」で「夜通しあなたを助け、あなたの窮状を最小限に抑えるのを手伝ってください」と歌う。それ以来、薬理学的スペクトルはさらに華やかになっています。これにより、フィッシュマンさんには無尽蔵の薬箱が与えられ、彼女の投与量は決して衰えることのない症状に合わせて調整されています。マックス・レイキン

共同主任美術評論家であるロバータ・スミスは、ニューヨーク、北米、および海外の美術館の展覧会、アートフェア、ギャラリーショーを定期的にレビューしています。彼女の特別な関心分野には、陶磁器織物、民族芸術およびアウトサイダーアート、デザイン、ビデオアートが含まれます。 @robertasmithnyt

ジリアン・スタインハウアーは、アートとコミックの政治を取材する評論家兼レポーターです。彼女は 2019 年にアンディウォーホル財団芸術作家助成金を獲得し、以前は Hyperallergic の上級編集者を務めていました。

ウィル・ハインリッヒは現代美術の新たな展開について執筆しており、以前は『ニューヨーカー』や『ニューヨーク・オブザーバー』の批評家でもありました。 @willvheinrich

ジェイソン・ファラゴはタイムズ紙の評論家で、米国および海外の芸術と文化について執筆しています。 2022 年に、彼は批評とジャーナリズムを対象とした第 1 回シルバーズ・ダドリー賞の 1 つを受賞しました。 @jsf